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Mkmouse - Revista Mensal Edição nº 091 - 28 Fevereiro de 2019

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Curiosidades sobre os 2019 vencedores do Oscar de Melhor Filme

No próximo dia 2 de março, os cinéfilos – e os demais curiosos – conhecerão os vencedores da 86a edição da premiação do Oscar.

Enquanto a hora não chega, que tal conferir curiosidades sobre os 88 filmes que já ganharam o Oscar de Melhor Filme?


1. Asas (1929)

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O grande vencedor da primeira edição do Oscar foi também o primeiro a mostrar um beijo gay nas telonas.

Apesar de não conter carga erótica alguma, o emotivo selinho entre os personagens de Buddy Rogers e Richard Arlen, dois amigos pilotos da Primeira Guerra foi bastante ousado para a época.


2. Melodia na Broadway (1930)

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Em Melodia na Broadway, Eddie Kane interpreta o produtor Francis Zanfield, uma referência à lenda da Broadway Florenz Ziegfeld Jr.

Já o nome do vilão Jock Warriner é uma “homenagem” a Jack Warner, então presidente da Warner Bros, principal concorrente da MGM, estúdio que produziu o filme em questão.


3. Sem Novidade no Front (1930

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O diretor Lewis Milestone fez questão de não incluir nenhuma trilha sonora em Sem Novidade no Front.

O objetivo era que o espectador não desviasse sua atenção da seriedade do assunto tratado – os horrores e traumas da guerra.

O público estranhou tanto que, na época, alguns cinemas incluíram músicas de fundo por conta própria enquanto exibiam o filme.


4. Cimarron (1931)

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Para adaptar para as telonas o romance Cimarron, os produtores do filme gastaram 125 mil dólares em direitos autorais – valor recorde para a época

Apesar de ter sido o grande premiado do ano pela Academia, Cimarron deu prejuízo à produtora RKO, que perdeu 5,5 milhões de dólares com a realização do fil


5. Grande Hotel (1932)

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O filme conseguiu um feito inédito: foi indicado apenas na categoria de Melhor Filme – e levou a estatueta

Greta Garbo exigiu uma iluminação vermelha para criar um clima mais romântico para os ensaios.

A atriz quase recusou o papel por se considerar velha demais (ela tinha 27 anos) para interpretar uma bailarina.


6. Cavalgada (1934)

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Noel Coward cobrou 100 mil dólares pelos direitos autorais da peça e das músicas usadas na produção de Cavalgada.

A protagonista Diana Wynyard ganhou a marca de suas pegadas no Teatro Chinês de Los Angeles depois do sucesso do filme.

Em 1936, a produção foi adaptada para o rádio.


7. Aconteceu Naquela Noite (1935)

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Os personagens de Aconteceu Aquela Noite inspiraram a criação da turma do Pernalonga.

O coelho é uma referência a Peter Warne, interpretado por Clark Gable

No filme, ele comia cenouras e falava muito rápido.

O nome Bugs Bunny teria vindo de Bugs Dooley, personagem imaginário presente na trama do filme.


8. O Grande Motim (1936)

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O fundador da MGM, Louis B. Mayer, odiou o roteiro de O Grande Motim.

Para ele, faltava romance. Inicialmente, Clark Gable não queria interpretar o tenente Fletcher Christian.

Ele foi convencido pelo produtor E. J. Mannix, que lhe revelou que aquele era o único personagem que se daria bem (com uma mulher) no filme.


9. Ziegfeld – O Criador de Estrelas (1937)

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Ex-campeão de levantamento de peso, Nat Pendleton não teve dificuldade em interpretar Eugen Sandow, pai do fisiculturismo, em Ziegfeld – O Criador de Estrelas.

Nat foi o primeiro a interpretar um fisiculturista nas telonas

Louise Rainer nunca tinha ouvido falar da artista Anna Held quando foi contratada para interpretá-la.


10. Émile Zola (1938)

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No início do filme, Zola faz uma espécie de fogueira com alguns livros para aquecer seu apartamento.

Quando Cezanne abre a janela para deixar a fumaça escapar, Zola pede para que ele as feche por causa do frio.

Trata-se de uma referência à morte de Zola na vida real, depois de se intoxicar com o monóxido de carbono de uma chaminé entupida


11. Do Mundo Nada se Leva (1939)

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A atriz Ann Miller chorava com frequência no set de Do Mundo Nada se Leva.

Pensando que ela estava triste, seu companheiro de cenas James Stewart costumava levar caixas de balas e chocolates para presenteá-la.

Mais tarde, ela admitiu que chorava de dor, devido aos complexos passos de balé que tinha que realizar.


12. E o Vento Levou (1940)

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Com 3h54min de duração, é a obra mais longa a vencer o Oscar de Melhor Filme.

Dava para assistir Marty (1955), o mais curto a ganhar o prêmio, duas vezes e meia antes de Scarlett pendurar seu vestido de gala.

Clark Gable não tinha a menor afeição pelo papel que o consagrou.

Para ele, E o Vento Levou era “filme de mulherzinha”


13. Rebecca – A Mulher Inesquecível (1941)

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Vivien Leigh, a Scarlett de E o Vento Levou, fez o teste para interpretar a protagonista de Rebecca – A Mulher Inesquecível, mas acabou perdendo a vaga para Joan Fontaine.

Lawrence Olivier só conseguiu o papel masculino principal porque Ronald Colman recusou a proposta.


14. Como Era Verde o Meu Vale (1942)

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O filme ficou famoso por desbancar o favorito Cidadão Kane, de Orson Welles.

John Ford consagrou-se como o diretor que mais venceu na categoria Melhor Diretor.

Além de Como Era Verde o Meu Vale, renderam-lhe o prêmio O Delator (1935), As Vinhas da Ira (1940) e Depois do Vendaval (1952).


15. Rosa de Esperança (1943)

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Rosa de Esperança foi o primeiro filme a receber cinco indicações ao Oscar.

O discurso de Greer Garson pelo prêmio de Melhor Atriz durou 5min30s, um recorde da cerimônia.

Greer Garson se casou com Richard Ney, que interpretou seu filho em Rosa de Esperança.

O papel foi a estreia de Ney nas telonas.


16. Casablanca (1944)

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A frase “Play it again, Sam” nunca foi dita no filme.

Na verdade, Rick, interpretado por Humphrey Bogart, diz “You played it for her, you can play it for me.

Play it!” (“Se você tocou para ela, pode tocar para mim. Toque!”).

Já Ilsa (Ingrid Bergman) diz “Play it, Sam. Play ‘As Time Goes By’” (“Toque, Sam. Toque ‘As Time Goes By’”).


17. O Bom Pastor (1945)

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Apesar de esta não ter sido a única vez em que Barry Fitzgerald interpretou um padre católico, o ator não era nada religioso

Os mais observadores podem reparar que, mais de uma vez, o personagem faz o sinal da cruz da direita para a esquerda, quando o correto é fazê-lo da esquerda para a direita.

18. Farrapo Humano (1946)

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O diretor Billy Wilder revelou que a indústria de licores ofereceu cinco milhões de dólares à Paramount Filmes para que a produtora desistisse de lançar o filme, que discute o problema do alcoolismo.

A produção marcou a estreia do Earle Hyman, aos 17 anos, como figurante.


19. Os Melhores Anos de Nossas Vidas (1947)

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O diretor William Wyler descobriu o talento de Harold Russel depois de assistir a um vídeo de treinamento do exército, chamado Diário de um Sargento.

Russel falava sobre a reabilitação dos soldados feridos na guerra.

A atriz Cathy O’Donnell acabou se casando com Robert Wyler, irmão do diretor do filme.


20. A Luz é Para Todos (1948)

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John Garfield só aceitou participar do filme depois que o produtor Darryl F. Zanuck prometeu-lhe que seria fiel ao roteiro de Moss Hart.

Apesar do papel coadjuvante, Garfield recebeu um salário digno de protagonista.

Anne Revere interpreta a mãe do personagem de Gregory Peck, apesar de ser apenas 11 anos mais velha do que ele.


21. Hamlet (1949)

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O papel do pai de Hamlet é frequente e erroneamente atribuído a John Gielgud.

Na verdade, Lawrence Olivier, que interpretou Hamlet, também dublou, ele mesmo, a voz do fantasma do pai do protagonista.

Para dar um efeito macabro, a velocidade do som da gravação foi reduzida pela equipe de produção.


22. A Grande Ilusão (1950)

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Mercedes McCambridge ganhou o papel de Sadie mesmo depois de ter brigado com os produtores do filme.

No dia das audições, eles deixaram as atrizes esperando durante longas horas em um escritório em Nova York.

Bastou para que McCambridge xingasse a equipe e saísse do local batendo a porta.


23. A Malvada (1951)

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Bette Davis filmou todas as cenas da personagem Margo Channing em apenas 16 dias.

Em A Malvada, Margo é uma atriz assombrada pelo fantasma de velhice.

O filme foi transformado em um musical, que estreou na Broadway em 30 de março de 1970, ficando em cartaz ao longo de 896 performances.


24. Sinfonia de Paris (1952)

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Gene Kelly dirigiu sozinho o número musical “Embraceable You”.

Ele descobriu o talento de Leslie Caron durante uma viagem a Paris, quando assistiu a uma apresentação de seu grupo de balé.

O ator e dançarino convenceu os produtores a bancar um filme de dança depois de apresentá-los à produção europeia Sapatinhos Vermelhos (1948).


25. O Maior Espetáculo da Terra (1953)

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Cecil B. DeMille estava entre Marlene Dietrich e Hedy Lammar para o papel protagonista, mas mudou de ideia depois que Betty Hutton lhe deu um enorme arranjo de flores com uma miniatura dela mesma balançando em cima de um trapézio.

Hutton ficou com o papel com uma condição: que perdesse um pouco de quadril.


26. A Um Passo da Eternidade (1954)

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Montgomery Clift, Frank Sinatra e o autor James Jones tornaram-se grandes amigos durante as filmagens, frequentemente encarando legendárias bebedeiras.

Clift ensinou Sinatra a interpretar o soldado Maggio em um dos poucos momentos de sobriedade do grupo.


27. Sindicato de Ladrões (1955)

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Marlon Brando ganhou 100 mil dólares pelo papel do protagonista.

O diretor Elia Kazan levou 100 mil mais 25% dos lucros com a bilheteria.

A performance de Brando na pele de Terry Malloy foi eleita a segunda melhor da história do cinema pela revista Premiere, em 2006.

Só perdeu para Peter O’ Toole em Lawrence da Arábia (1962).


28. Marty (1956)

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Por Marty, Delbert Mann tornou-se o primeiro diretor estreante a levar o Oscar de Melhor Direção.

O recorde foi mantido até 1981, quando Robert Redford repetiu a façanha por Gente Como a Gente.

Foi o primeiro filme baseado em um programa de TV a ganhar o Oscar de Melhor Filme.


29. A Volta ao Mundo em 80 Dias (1957)

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Gregory Peck foi contratado para viver o papel do oficial da cavalaria, mas o produtor Michael Todd o demitiu por não levar a sério o trabalho

Só então que o ator Tim McCoy foi selecionado.

O vestido de gala usado por Marlene Dietrich custou 300 mil dólares.


30. A Ponte do Rio Kwai (1958)

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O diretor David Lean queria que os soldados do coronel Nicholson entrassem em campo cantarolando Hitler Has Only Got One Ball, paródia da música Colonel Bogey March que, por tirar sarro de Adolf Hitler e outros líderes nazistas, ficou popular durante a Segunda Guerra Mundial.

Lean foi barrado pelo produtor Sam Spiegel.


31. Gigi (1959)

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Jacques Bergerac, que interpreta o professor de skate Sandomir, não sabia andar de skate. Leslie Caron, Louis Jordan e Maurice Chevalier são todos franceses, como os personagens que interpretam (Gigi, Gaston e Honore Lachaille, respectivamente).

O papel da tia Alicia foi oferecido a Ina Claire, mas ela recusou.


32. Ben-Hur (1960)

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O épico levou 11 das 12 indicações ao Oscar.

Ben-Hur foi o primeiro remake a ganhar o prêmio de Melhor Filme.

O Ben-Hur original foi dirigido por Fred Diblo em 1925.

May McAvoy, que interpretou Esther no primeiro filme, foi o único membro da produção original a aparecer na refilmagem, como figurante em uma cena.


33. Se Meu Apartamento Falasse (1961)

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Billy Wilder já tinha o ator Jack Lemmon em mente quando escreveu o roteiro de Se Meu Apartamento Falasse.

O diretor parecia gostar do sobrenome Sheldrake, que aparece em personagens de outros três de seus filmes: Crepúsculo dos Deus (1950),

A Montanha dos Sete Abutres (1951) e Beija-me, Idiota (1964).


34. Amor, Sublime Amor (1962)

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O papel de Maria foi oferecido a Audrey Hepburn, mas ela recusou, porque estava grávida de Sean H. Ferrer.

O número musical “Cool” foi tão difícil de fazer que os atores fizeram um ritual para queimar suas joelheiras quando conseguiram completar a cena.

Amor, Sublime Amor foi adaptado para a Broadway, sendo encenado 732 vezes.


35. Lawrence da Arábia (1963)

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Marlon Brando foi chamado para interpretar T. E. Lawrence, mas acabou escolhendo o papel de Fletcher Christian em O Grande Motim (1962).

Depois disso, Anthony Perkins também foi cotado para viver o protagonista consagrado na pele de Peter O’ Toole.

O diretor David Lean só ganhou sua porcentagem do lucro de bilheteria do filme em 1978.


36. As Aventuras de Tom Jones (1964

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Hugh Griffith estava bêbado durante grande parte das filmagens.

A cena em que seu cavalo cai em cima dele não foi planejada, e por sorte Griffith saiu ileso.

A equipe de filmagem aproveitou para captar cada ângulo antes que o resgate fosse liberado para ajudar o ator.

O filme também marcou a estreia da atriz Lynn Redgrave nas telonas.


37. Minha Bela Dama (1965)

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A expressão que serve de título para o filme não aparece nos diálogos ou em nenhuma das canções.

Um dos mais clássicos romances do cinema, o filme não possui nenhuma cena de beijo. Jack L. Warner, diretor da Warner Bros, considerava Minha Bela Dama sua maior realização em vida.


38. A Noviça Rebelde (1966

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Sean Connery e Richard Button foram cotados para o papel do Capitão Von Trapp, que acabou ficando para Christopher Plummer.

Portia Nelson, que interpretou a irmã Berthe, foi a única integrante do elenco original do musical da Broadway a aparecer também no filme.


39. O Homem que Não Vendeu Sua Alma (1967)

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A atriz Vanessa Redgrave foi chamada para interpretar Margaret More, mas recusou devido à agenda teatral que cumpria na época.

Em compensação, aceitou fazer uma ponta como Ana Bolena, e se recusou a receber cachê pelo trabalho.

Richard Burton não aceitou o convite para interpretar Sir Thomas More.


40. No Calor da Noite (1968)

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Rod Steiger adotou o sotaque do Sul dos Estados Unidos durante todo o tempo de filmagens, tanto nos sets como em sua vida pessoal.

O diretor Norman Jewison pediu a Steiger que mascasse chicletes enquanto atuasse, para ajudá-lo a imitar a dicção sulista.

O ator consumiu, ao todo, 263 pacotes da guloseima!


41. Oliver! (1969)

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O número musical “Boy for Sale” foi gravado em julho (alto verão europeu), apesar do cenário de neve.

As filmagens externas dependiam da disposição das nuvens no céu de Londres.

Os flocos de neve foram feitos de poliestireno, sal, bolinhas de sabão e purê de batatas.


42. Perdidos na Noite (1970)

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Bob Dylan escreveu a música “Lady, Lady” para o filme, mas não a completou a tempo para que ela entrasse na trilha sonora.

Charles Durning fazia parte do elenco do filme, mas desistiu na última hora.

Robert Blake foi cotado para interpretar Ratso, mas recusou.

O filme marcou a estreia do ator Bob Balaban nas telonas.


43. Patton – Rebelde ou Herói? (1971)

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Muitos dos mapas da Europa mostrados no filme, que se passa na Segunda Guerra Mundial, mostram a Alemanha já dividida em oriental e ocidental, além de outras fronteiras que foram redefinidas depois de 1945.

Também aparece um Jeep Mack B, que só seria produzido em 1953.


44. Operação França (1972)

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O filme é baseado em um caso real que aconteceu em Nova York no início dos anos 70.

Os protagonistas Popeye Doyle e Buddy Russo foram inspirados nos detetives Eddie Egan e Sonny Grosso.

Assim como os personagens do filme, Egan e Grosso invadiam bares e semeavam pânico, até que os suspeitos de determinado crime se revelassem.


45. O Poderoso Chefão (1973)

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As filmagens de O Poderoso Chefão duraram 62 dias.

Quando foi anunciado vencedor do Oscar de Melhor Ator, foi uma suposta ativista indígena chamada Sacheen Littlefeather quem subiu ao palco em nome de Marlon Brando, recusou o prêmio e fez um discurso reclamando do tratamento dado aos índios norte-americanos.


46. Golpe de Mestre (1974

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olpe de Mestre foi o único filme em que Robert Redford recebeu uma indicação ao Oscar como ator.

Foi a segunda vez que Redford, Paul Newman e o diretor George Roy Hill trabalharam juntos.

O trio já tinha aparecido em Butch Cassidy (1969). Na época, Redford e Newman eram considerados os dois atores mais atraentes de Hollywood.


47. O Poderoso Chefão: Parte II (1975)

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Marlon Brando e Robert De Niro são os dois únicos atores que ganharam Oscars pela interpretação do mesmo personagem.

Brando levou o prêmio de Melhor Ator por O Poderoso Chefão (1972) e De Niro o de Melhor Ator Coadjuvante por O Poderoso Chefão: Parte II, ambos pelo papel de Vito Corleone.


48. Um Estranho no Ninho (1976)

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Louise Fletcher estava tão chateada com o fato de que todos os atores podiam rir à vontade, enquanto ela tinha de ser fria e má, que um belo dia, perto do fim das filmagens, a atriz tirou o vestido e andou pelo set só de calcinha, para provar que também sabia ser brincalhona.


49. Rocky, um Lutador (1977)

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A maioria das cenas de Rocky correndo pela Filadélfia foram filmadas do jeito amador, sem autorização oficial, equipamento profissional ou figurantes.

A cena em que Rocky passa ao lado de um barco ancorado é uma delas.

A equipe estava passando pelo local, quando o diretor John G. Avildsen avistou o barco e achou que daria um belo cenário.


50. Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1978)

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O título original do filme é Annie Hall, uma brincadeira com o verdadeiro nome da atriz Diane Keaton, Diane Hall.

A cena em que Alvy (Woody Allen) espirra depois de cheirar cocaína foi acidental.

O diretor resolveu deixá-la na pré-estreia, para testar a reação do público.

Foi o auge das risadas na sala de cinema ao longo da exibição.

51. O Franco Atirador (1979)

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O diretor Michael Cimino convenceu Christopher Walken a cuspir na cara de Robert De Niro para gravar uma cena.

De Niro ficou completamente chocado com a atitude do colega, e quase abandonou o set. Christopher Walken conseguiu atingir o visual arredio e misterioso de seu personagem consumindo uma dieta à base de arroz e banana.


52. Kramer versus Kramer (1980)

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Dustin Hoffman planejou por conta própria o momento em que joga um copo de vinho na parede de um restaurante, na cena em que discute com a personagem de Meryl Streep.

Ele só avisou ao câmera, para que ele não deixasse de filmar o estrago.

A reação de choque de Meryl Street é, portanto, totalmente autêntica.


53. Gente Como a Gente (1981)

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Gene Hackman foi originalmente escalado para o papel de Dr. Berger, mas desistiu no último momento.

Em seu lugar, foi colocado Judd Hirsch, que aceitou a proposta com uma condição: a de matar as filmagens em oito dias, para não atrapalhar sua agenda no programa de televisão Taxi.


54. Carruagens de Fogo (1982)

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Os figurantes que compunham o público das Olimpíadas foram instruídos a se vestirem de preto, para que não chamassem a atenção do espectador.

Esses atores receberam 10 dólares pelo trabalho. Os que tiveram de usar roupas de época ganharam 20 dólares.

Originalmente, o filme foi batizado de Runners (Corredores).


55. Gandhi (1983)

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Ben Kingsley ficou tão parecido com Mohandas Gandhi que muitos locais pensaram que ele fosse a reencarnação do líder.

Uma baita coincidência histórica: quando Mohandas Gandhi, interpretado por Ben Kingsley, visitou Londres, ele ficou hospedado no centro comunitário Kingsley Hall.


56. Laços de Ternura (1984)

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O papel de Emma foi originalmente escrito para ser interpretado por Sissy Spacek, mas ficou para Debra Winger.

Ela e Shirley MacLaine foram indicadas ao Oscar de Melhor Atriz, que saiu para MacLaine.

A caminho do palco, ela sussurrou para a colega: “Metade dele pertence a você”. Winger respondeu: “Ok, aceito a metade!”.


57. Amadeus (1985)

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Uma série de professores de música comprovaram que, ao longo do filme, não há uma única tecla de piano tocada incorretamente, comparando-se ao que se ouve no exato momento.

Quando apresentou o prêmio de Melhor Filme, Sir Lawrence Olivier se esqueceu de ler os indicados, revelando, de cara, o vencedor: Amadeus.


58. Entre Dois Amores (1986)

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O filme foi gravado na África, mas leis locais proibiram o uso de animais selvagens. Por isso, a equipe importou leões treinados da Califórnia.

Meryl Streep ficou muito nervosa ao gravar a cena em que ela lava os cabelos pertinho de alguns hipopótamos bravos.

A atriz desenvolveu o sotaque da personagem escutando gravações reais de Isak Dinesen.


59. Platoon (1987)

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O diretor Oliver Stone tornou-se o primeiro veterano da Guerra do Vietnã a produzir um filme sobre o conflito, em 1986.

Oliver Stone recebeu duas condecorações por ferimentos sofridos nos quinze meses em que lutou na Guerra do Vietnã, entre 1967 e 1968.


60. O Último Imperador (1988)

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O Último Imperador foi a primeira produção de Hollywood que conseguiu a permissão do governo chinês para filmar na Cidade Proibida.

Antes disso, o único vídeo ocidental que já tinha conseguido essa façanha tinha sido um documentário produzido e dirigido por Lucy Jarvis de 1973.


61. Rain Man (1989)

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A cena do aeroporto foi cortada pela maioria das companhias aéreas que exibiram o filme em suas viagens.

A Qantas foi uma exceção: a empresa não só não censurou a cena como ofereceu um lugar na primeira classe ao roteirista de Rain Man, quando ele viajou pela companhia aérea.


62. Conduzindo Miss Daisy (1990)

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Com o papel de Daisy Werthan, Jessica Tandy tornou-se a mais velha atriz a ganhar um Oscar, aos 80 anos e 293 dias.

A trilha sonora de Hans Zimmer foi feita integralmente com o uso de sintetizadores, tocados por ele mesmo.

Não houve participação de nenhuma orquestra.


63. Dança com Lobos (1991)

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Na cena em que um búfalo se prepara para atacar um jovem índio, ele na verdade está se preparando para atacar um de seus sonhos de consumo: um pacote de biscoito recheado.

Para o filme ficar mais realista, um profissional foi contratado para ensinar ao elenco a língua Lakota, falada pelos índios locais


64. O Silêncio dos Inocentes (1992)

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o primeiro encontro entre Lecter e Starling, Anthony Hopkins improvisou a tiração de sarro que faz em relação ao sotaque sulista da personagem de Jodie Foster.

A reação assustada da atriz foi, portanto, genuína.

Mais tarde, ela agradeceu ao veterano ator pelo truque para deixar a cena mais realista.


65. Os Imperdoáveis (1993)

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Com a devida correção inflacionária, a recompensa de 1.000 dólares por cada cowboy fora-da-lei da trama seria o equivalente a 110.000 dólares nos dias de hoje.

O filme é dedicado a Sergio Leone e Don Siegel, mentores de Clint Eastwood no faroeste.

Os Imperdoáveis foi o terceiro filme do gênero a levar o Oscar de Melhor Filme.


66. A Lista de Schindler (1994)

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A Lista de Schindler foi filmado em 71 dias, mesmo tempo gasto com Parque dos Dinossauros, outro sucesso do diretor Steven Spielberg. as o vencedor de sete Oscars de 1994 custou apenas um terço do que foi gasto com o filme sobre dinossauros.

Saiu pela “bagatela” de 23 milhões de dólares.


67. Forrest Gump (1995)

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Em referência ao músico folk Bob Dylan, Jenny (Robin Wright Penn) usa o nome Bobbie Dylan quando aparece cantando a música “Blowin’ in the Wind” em uma boate. Toda vez que Forrest Gump aparece com uma idade diferente, ele está usando uma camisa xadrez azul.


68. Coração Valente (1996)

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Braveheart (“coração valente”) era, na verdade, o apelido de Roberto I (outro herói escocês), e não de William Wallace.

O “direito da primeira noite”, que permitia que o senhor feudal tirasse a virgindade das filhas de seus servos, é tema central da trama do filme, apesar de nunca ter sido imposto na história das ilhas britânicas.


69. O Paciente Inglês (1997)

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Bruce Willis foi chamado para interpretar Caravaggio, mas seu agente o convenceu a recusar o papel.

Em 2005, o Oscar que Juliette Binoche ganhou por O Paciente Inglês foi retocado pela Academia.

É que seu filho de três anos gostava de brincar com a estatueta, que acabou ficando manchada e descascada.


70. Titanic (1998)

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Interpretado por Leonardo DiCaprio, Jack Dawson era um passageiro do Titanic apenas na ficção até que se descobriu que um verdadeiro J. Dawson morreu a bordo do navio, em 1912.

No filme, exatos 37 segundos se passam do momento em que a tripulação avista o iceberg até a batida – o mesmo tempo em que o processo ocorreu na vida rea


71. Shakespeare Apaixonado (1999)

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Judi Dench gostou tanto da réplica do teatro The Rose, construída como parte do cenário, que a produtora Miramax deu de presente a ela depois que se encerraram as filmagens.

Na época, a atriz anunciou que estava em busca de um local e de um patrocinador para conseguir dar funcionalidade à estrutura.


72. Beleza Americana (2000)

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Quando Lester joga o prato de aspargos na parede, as reações de Annette Bening e Thora Birch são genuínas.

Isso porque, segundo o roteiro, ele deveria ter arremessado a comida no chão.

Kevin Spacey também improvisou tudo o que ele faz dentro do carro quando canta “American Woman” chapado.


73. Gladiador (2001)

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O ator Oliver Reed sofreu um ataque cardíaco fatal durante as filmagens.

Algumas cenas tiveram de ser filmadas com o uso de um dublê, que ganhou uma máscara 3D computadorizada do rosto de Reed.

Vinte e quatro carruagens foram construídas para a produção do filme (apesar de apenas seis aparecerem em cena).


74. Uma Mente Brilhante (2002)

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As equações matemáticas no quadro-negro da sala de aula são reais, e foram escritas pelo próprio John Nash

A cena em que Nash, já velho, admira a própria xícara de chá foi inspirada em um episódio real: no primeiro encontro entre Russel Crowe e John Nash, o matemático demorou 15 minutos para decidir entre pedir um café ou um chá.


75. Chicago (2003)

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O diretor Rob Marshall queria que Catherine Zeta-Jones usasse seus longos cabelos naturais para interpretar Velma Kelly, mas ela insistiu na peruca curta.

Tudo para o cabelão não cair na cara dela durante as cenas de dança.

Richard Gere fez aulas de sapateado durante três meses para conseguir filmar sua cena de dança, que ele matou em meio dia de filmagens.


76. O Senhor dos Anéis – O Retorno do Rei (2004)

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O diretor Peter Jackson sofre de aracnofobia.

Para desenhar a aranha gigante Shelob, ele se baseou em seus maiores medos.

Um filme comum utiliza, em média, 200 efeitos especiais.

O Senhor dos Anéis – O Retorno do Rei tem 1488. Viggo Mortensen encarnou seu personagem de tal maneira que, fora do set, era chamado de Aragorn por Peter Jackson.


77. Menina de Ouro (2005)

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Hillary Swank passou por um rígido treinamento para interpretar a protagonista do filme.

Ela ganhou 9 kg de massa muscular. Lucia Rijker, campeã de boxe que interpreta a lutadora Billie “The Blue Bear”, foi responsável pelo treinamento da atriz.

Aos 74 anos, Clint Eastwood se tornou o mais velho da história a levar o Oscar de Melhor Diretor.


78. Crash – No Limite (2006)

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Apesar de Sandra Bullock ter sido reconhecida por seu papel no filme, suas cenas não contabilizam nem seis minutos do filme.

A atriz estava tão comprometida com o trabalho que comprou as próprias passagens de avião para comparecer ao set.

As filmagens se completaram em 36 dias.


79. Os Infiltrados (2006)

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Para interpretar seu personagem, Mark Wahlberg se inspirou nos policiais que o prenderam mais de vinte vezes durante sua juventude.

Ao todo, 21 pessoas morrem ao longo do filme.

É a produção em que mais aparece a palavra “fuck” a ganhar o Oscar de Melhor Filme.

O palavrão é repetido 237 vezes!


80. Onde os Fracos Não Têm Vez (2007)

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O título original do filme, No Country for Old Men, foi inspirado pelo poema “Sailing to Byzantium”, de William Butler Yeats.

No papel do assassino Anton Chigurh, Javier Bardem tornou-se o primeiro ator espanhol a ganhar o Oscar de Melhor Ator.

Foi o primeiro vencedor do Oscar de Melhor Filme editado com o programa Final Cut Pro.


81. Quem Quer Ser um Milionário? (2008)

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A pilha de fezes em que o jovem Jamal pula em cima foi feita de uma mistura de pasta de amendoim com chocolate.

Por pouco, o filme não foi lançado como produção para a tevê.

uem Quer Ser um Milionário e A Lista de Schindler (1993) foram os únicos filmes da história a ganhar os prêmios de Melhor Filme e Melhor Direção no Oscar, Globo de Ouro e Bafta Awards.


82. Guerra ao Terror (2009)

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O filme foi rodado em uma locação na Jordânia.

Parte dele era para ter sido feita em uma base militar norte-americana no Kuait, mas o acesso da equipe ao local foi negado na última hora.

Kathryn Bigelow se tornou a primeira mulher a ganhar o Oscar de Melhor Direção.


83. O Discurso do Rei (2010)

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Em O Discurso do Rei, um australiano (Guy Pierce) interpreta um britânico, uma britânica (Eve Best) interpreta uma americana e uma americana (Jennifer Ehle) interpreta uma australiana.

Entre os personagens do filme, há quatro monarcas britânicos: Rei George V (1910 – 1936), Rei Eduardo VIII (1936 – 1936), Rei George VI (1936 – 1952) e Rainha Elizabeth II (1952 – presente).


84. O Artista (2011)

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Não há uma única cena com zoom no filme, porque este recurso ainda não tinha sido inventado nos anos 20, época em que se passa a trama.

A cena do café-da-manhã, que mostra o rompimento de um casamento, é uma homenagem direta a uma cena quase idêntica de Orson Welles, em Cidadão Kane.


85. Argo (2012)

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Com a performance de John Goodman na pele do artista de maquiagem John Chambers, é a primeira vez na história do cinema em que um ganhador do Oscar é retratado em uma produção vencedora do Oscar de Melhor Filme.

Quando Chris Terrio escreveu o roteiro, ele imaginou que o protagonista seria vivido por George Clooney.


86. Anos de Escravidão (2013)

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"12 Anos de Escravidão" é baseado na incrível história da luta de um homem pela sobrevivência e liberdade.

Nos Estados Unidos antes da Guerra Civil, Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor), um homem negro e livre do estado de Nova York é sequestrado e vendido como escravo.

Enfrentando a crueldade do perverso dono de escravos Edwin Epps (Michael Fassbender), bem como inesperadas gentilezas, Solomon luta não só para sobreviver, mas também para manter sua dignidade.

Sem título 1

No décimo segundo ano de sua inesquecível odisseia, um encontro ao acaso com um abolicionista canadense (Brad Pitt) mudará sua vida para sempre.


87. Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância) (2014)

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No passado, Riggan Thomson fez muito sucesso interpretando o Birdman, um super-herói que se tornou um ícone cultural.

Entretanto, desde que se recusou a estrelar o quarto filme com o personagem sua carreira começou a decair.

Em busca da fama perdida e também do reconhecimento como ator, ele decide dirigir, roteirizar e estrelar a adaptação de um texto consagrado para a Broadway.

Entretanto, em meio aos ensaios com o elenco formado por Mike Shiner, Lesley e Laura, Riggan precisa lidar com seu agente Brandon e ainda uma estranha voz que insiste em permanecer em sua mente.


88. Spotlight - Segredos Revelados (2015)

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Os bastidores da investigação do Spotlight, um grupo de jornalistas de Boston, que descobriram um enorme escândalo de abuso sexual infantil dentro da arquidiocese católica local.


89 Moonlight: Sob a Luz do Luar (2016)

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Três momentos da vida de Chiron, um jovem negro morador de uma comunidade pobre de Miami.

Do bullying na infância, passando pela crise de identidade da adolescência e a tentação do universo do crime e das drogas, este é um poético estudo de personagem.


A Forma da Água (2017)

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Sinopse Década de 60.

Em meio aos grandes conflitos políticos e bélicos e as grandes transformações sociais ocorridas nos Estados Unidos, Elisa, zeladora em um laboratório experimental secreto do governo, conhece e se afeiçoa a uma criatura fantástica mantida presa no local.

Para elaborar um arriscado plano de fuga, ela recorre a um vizinho e à colega de trabalho Zelda.


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Fontes:-

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São Paulo, SP, 28 Fevereiro de 2019

Mkmouse


Ate ano que vem


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    Curiosidades:

    22 ônibus paulistanos para matar saudades

    Amados por uns e odiados por outros, os ônibus fazem parte do cotidiano de São Paulo.

    Eles estão presentes em nossa cidade desde o início do século 20, com os famosas veículos abertos apelidados de “jardineiras” ou de “mamãe, me leva?(*)”.

    Os autobondes, como eram chamados inicialmente, chegaram a São Paulo em julho de 1911 para substituir o ultrapassado transporte movido a tração animal (burros) e para fazer concorrência aos bondes elétricos.

    A primeira frota, de um total de 10 veículos, era da marca Sauer e foi importada da Alemanha pela Companhia de Transportes Auto Paulista.

    A foto a seguir mostra um deles por aqui:


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    Era apenas o início de uma história de São Paulo com os ônibus que nunca mais parou.

    Até mesmo os bondes ficaram pelo caminho, entretanto os ônibus permanecem até os dias de hoje sendo um dos principais meios de transporte do paulistano.

    A evolução destes veículos em nossa cidade foi apresentando modelos dos mais curiosos.

    Desde os nacionais fabricados pela Grassi, Caio ou Thamco, ou veículos importados de países como os Estados Unidos (elétricos ou a diesel).


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    Na foto, uma jardineira de 1924 e um elétrico de 1954

    Para homenagear esta modalidade de transporte coletivo tão importante para a nossa cidade, fizemos uma seleção de 22 imagens de ônibus antigos para viajarmos no tempo. São 11 elétricos e 11 convencionais, veja as fotos:


    1 – EMPRESA AUTO ÔNIBUS ALTO DO PARI (FOTO DE 1961)

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    2 – ÔNIBUS ACLO (APELIDADO DE CAMÕES) PRODUZIDO PELA GRASSI (FOTO DE 1955)

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    3 – AUTO VIAÇÃO NAÇÕES UNIDAS  – LINHA PRAÇA DO CORREIO (SEM DATA)

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    4 – E.O GUARULHOS – LINHA GUARULHOS – PRAÇA DO CORREIO (SEM DATA)

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    5 – ÔNIBUS FNM (CHAMADO DE PAPA-FILA) ESPÉCIE DE AVÔ DOS ARTICULADOS (1957)

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    6 – VIAÇÃO U.T.I.L – BARRA FUNDA (SEM DATA)

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    7 – ÔNIBUS ALFA ROMEO COM DESTINO A VILA FORMOSA (SEM DATA)

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    8 – CAIO GABRIELA – AUTO VIAÇÃO NAÇÕES UNIDAS (FOTO DA DÉCADA DE 80)

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    9 – VIAÇÃO MONUMENTO, LINHA SÃO CAETANO – PARQUE D.PEDRO II (1978)

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    10 – MERCEDES-BENZ 364  – CMTC (FOTO DE INICIO DA DÉCADA DE 90)

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    11 – SCANIA K112CL (THAMCO) – APELIDADO DE FOFÃO (1987)

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    NA SEQUÊNCIA, OS ÔNIBUS ELÉTRICOS:

    12 – GRASSI / VILLARES – PRAÇA DO PATRIARCA (SEM DATA)

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    13 – RESERVADO

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    14 – LINHA PARA GENTIL DE MOURA

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    15 – LINHA PARA ÁGUA RASA

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    16 – LINHA CIDADE – ACLIMAÇÃO

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    17 – LINHA PARA O LARGO SÃO BENTO

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    18 – LINHA CARDOSO DE ALMEIDA – MACHADO DE ASSIS

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    19 – LINHA PARA O MANDAQUI

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    20 – ÔNIBUS DIESEL MARCA MAGIRUS (CARROCERIA STRIULLI) CONVERTIDO PARA ELÉTRICO – CMTC (FOTO DE 1969)

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    21 – LINHA PARA A PRAÇA DA REPÚBLICA (FOTO DE 1985)

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    22 – LINHA PARA O TUCURUVI (FOTO DE 1986)

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    (*) – O apelido de “mamãe, me leva?” dos primeiros ônibus tem algumas versões a respeito de sua origem.

    A explicação mais comum é que este apelido surgiu no bairro do Brás, logo que os ônibus começaram a operar por aqui.

    Um menino acompanhado de sua mãe, ao ver o veículo parado, teria se virado para ela e dito tal expressão, que acabou se popularizando.

    Quer saber mais sobre transportes coletivos ? Abaixo, alguns de nossos artigos que recomendamos a você:



    Fontes:-

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    São Paulo, SP, 28 Fereveiro de 2017

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    Curiosidades:

    50 Maiores Astros do Cinema da Década de 20

    Por Carla Marinho


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    A década de 20 conheceu a chegada do cinema falado, mas em sua maioria, reinaram os filmes mudos até o final de 1928

    Esses eram os grandes astros do momento, alguns não conseguiram ultrapassar a barreira do talkies, mas outros seguiram uma sólida carreira nas décadas seguintes:


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    Anita Page (1910–2008): foi uma das mais famosas e populares protagonistas nos últimos anos do cinema mudo e uma das primeiras do cinema falado.

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    Anna May Wong (1905-1961): Anna May Wong, o primeiro chinêsa a fazer sucesso no cinema americano.

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    Bebe Daniels (1901–1971): ela começou a trabalhar cedo e aos 14 já era uma veterana trabalhando muito como parceira de Harold Lloyd.

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    Blanche Sweet (1896–1986): Começou a trabalhar no cinema em 1909 com D.W Griffith e sua aparência adulta fez com que desde cedo trabalhasse em papéis de mulheres mais velhas.n

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    Brigitte Helm (1906–1996): após trabalhar em Metropolis (1927) a atriz alemã fez uma série de filmes como atriz principal.
    Seguiu careira no cinema falado.

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    Buster Keaton (1895–1966): trabalhou desde a infância ao lado dos pais nos palcos e se transformou em um dos três maiores comediantes do cinema mudo.

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    Charles Chaplin (1889-1977): Chaplin se tornou uma estrela dos palcos antes de seguir para uma carreira sólita no cinema.
    Foi um dos mais bem pagos da época e um dos mais inesquecíveis.

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    Clara Bow (1905-1965): Conhecida como a “It girl”, começou a carreira como modelo e se transformou numa das maiores do cinema mudo.

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    Clive Brook (1887–1974): Nascido em Londres, dentre seus maiores sucessos estão Oliver Twist e Cavalcade.

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    Colleen Moore (1899–1988): A atriz fex 63 filmes e seu último e mais importante foi A Letra Escarlate, de 1934.

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    Conrad Veidt (1893–1943): o ator alemão participou das grandes produções do expressionismo e dentre seus trabalhos principais destaca-se O Gabinete do Dr. Caligari.

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    Corinne Griffith (1894–1979): foi muito popular quando começou sua carreira na Vitagraph em 1916.
    No auge da popularidade era conhecida como “Orchid Lady of the Screen”.

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    Dolores Costello (1903–1979): hoje em dia lembrada como a avó de Drew Barrymore mas ela foi uma das rainhas do cinema mudo, sendo bastante popular.

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    Dolores del Rio (1904–1983): a atriz mexicana fez bastante sucesso em Hollywood na década de 20.

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    Douglas Fairbanks (1883–1939): o grande astro dos filmes de ação.
    Sua agilidade era a principal característica em filmes como O Ladrão de Bagdá e Robin Hood.

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    Edna Purviance (1895–1958): trabalhou ao lado de Chaplin em dezenas de filmes e era um dos rostos mais conhecidos da década de 20.

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    George O’Brien (1899–1985): trabalhou bastante tempo como dublê, mas em 1924 começou a estrelar diversos filmes que fizeram do seu rosto um dos mais conhecidos do período.

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    Gilbert Roland (1905-1994): nascido no México, sonhava em ser toureiro mas se tornou ator. Iniciou sua carreira em The Lady Who Lied.

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    Gloria Swanson (1899–1983): rainha dos dramas, teve um retorno triunfal em Crepúsculo dos Deuses, em 1950.

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    Greta Garbo (1905–1990): a atriz sueca se tornou uma das mais icônicas por se afastar das telas no auge da carreira, em 1941.

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    Harold Lloyd (1893–1971): seu personagem do almofadinha atrapalhado fez dele um dos três comediantes de maior sucesso das telas.

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    John Barrymore (1882–1942): o legendário ator iniciou sua carreira nos palcos e era membro da mais famosa família teatral da América.

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    John Gilbert (1897–1936): astro das telas, sua carreira entrou em declínio quando brigou com o chefe L. B. Mayer.

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    Lillian Gish (1893–1993): uma das carreiras mais extensas do cinema, participou de 127 produções desde o cinema mudo até 1987, pouco tempo antes de falecer.

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    Lionel Barrymore (1878–1954): irmão de John Barrymore, era também compositor e diretor.

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    Lon Chaney (1883–1930): conhecido como o homem das mil faces, por sua facilidade em maquiar-se e transformar-se nos mais diversos personagens.

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    Louise Brooks (1906–1985): a famosa atriz de A Caixa de Pandora se tornou escritora após se afastar das telas.
    É um dos rostos mais conhecidos do período.
    Seu corte de cabelo é moda até hoje.

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    Mabel Normand (1892–1930): a atriz e diretora foi também uma das primeiras mulheres comediantes do cinema.
    É creditada em mais de 219 filmes.

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    Mae Murray (1889-1965): apelidada de “The Girl with the Bee Stung Lips” começou sua carreira na Broadway e depois foi uma Ziegfeld Girl.

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    Marion Davies (1897–1961): iniciou a carreira cedo e foi estrela de vários filmes românticos. Tinha uma ótima veia cômica.

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    Mary Astor (1906–1987): a atriz com uma sólida carreira no cinema falado iniciou no cinema mudo, com bastante sucesso.

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    Mary Miles Minter (1902–1984): fez grande sucesso nas películas mudas mas sua carreira não ultrapassou a barreira do cinema falado.

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    Mary Pickford (1892–1979): a atriz canadense começou a trabalhar ainda criança e fez sucesso nos papéis de criança, mesmo já sendo uma mulher de mais de trinta anos.

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    Max Schreck (1879–1936): o papel mais marcante desse ator alemão foi em Nosferatu, em que faz o vampiro.

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    Myrna Loy (1905–1993): creditada em mais de 128 filmes, iniciou a carreira ainda no cinema mudo, seguindo com sucesso após a chegada dos falados.

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    Myrna Loy (1905–1993): creditada em mais de 128 filmes, iniciou a carreira ainda no cinema mudo, seguindo com sucesso após a chegada dos falados.

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    Roscoe ‘Fatty’ Arbuckle (1887–1933): comediante de sucesso, teve que se afastar das telas após um escândalo envolvendo seu nome.

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    Pola Negri (1897–1987): a atriz polonesa veio para a América após uma série de filmes de sucesso, dirigidos por Ernst Lubitsch.

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    Ramon Novarro (1899–1968): seu sucesso começou após a morte de Rodolfo Valentino. Participou de filmes de sucesso como Mata Hari e Ben-Hur.

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    Renée Adorée (1898–1933): sua carreira de sucesso se iniciou em 500 Pounds Reward em 1918 e se estendeu até o início da década de 30.

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    Richard Arlen (1899–1976): Richard foi piloto antes de tornar ator.
    Isso serviu de experiência para seu papel em Asas, vencedor do Oscar de 1927.

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    Ronald Colman (1891–1958): o ator inglês também foi uma das grandes estrelas da Era de ouro.

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    Rudolph Valentino (1895–1926): sua morte repentina e precoce levou milhares ao desespero.
    Foi o primeiro grande super star.

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    Oliver Hardy (1892–1957) e Stan Laurel (1890–1965): conhecidos como uma das primeiras duplas de opostos do cinema, O Gordo e o Magro.

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    Theda Bara (1885–1955): a principal Vamp do cinema.
    A maioria dos seus filmes foi perdida em um incêndio.

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    Vilma Bánky (1898–1991): a atriz húngara é conhecida por ser a parceira de Rodolfo Valentido em O Filho do Sheik, dentre outros sucessos.

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    Will Rogers (1879–1935): trabalhou na audeville e seguiu o sucesso nos filmes mudos e sonoros.

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    William S. Hart (1864–1946): um dos primeiros cowboys do cinema.


    Fontes:-

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    São Paulo, SP, 28 Fereveiro de 2017

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    Curiosidades:

    A HISTORIA DE CARMEM MIRANDA

    Sexta-feira, 25.04.14


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    Maria do Carmo Miranda da Cunha GOIH (Marco de Canaveses, 9 de fevereiro de 1909 — Los Angeles, 5 de agosto de 1955), mais conhecida como Carmen Miranda, foi uma cantora e atriz luso-brasileira

    Sua carreira artística transcorreu no Brasil e Estados Unidos entre as décadas de 1930 e 1950.

    Trabalhou no rádio, no teatro de revista, no cinema e na televisão, chegando a receber o maior salário até então pago a uma mulher nos Estados Unidos.

    Muito "avançada" para o seu tempo, Carmen Miranda - cuja imagem ficou para sempre associada aos penduricalhos ao pescoço e às frutas tropicais que lhe ornamentavam a cabeça - é considerada a pioneira do tropicalismo, movimento cultural brasileiro dos anos de 1960.

    Tal afirmação ainda é desconsiderada por certos pesquisadores.


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    Biografia Infância


    Carmen Miranda foi batizada com o nome de Maria do Carmo Miranda da Cunha na igreja da freguesia de Várzea da Ovelha e Aliviada, concelho de Marco de Canaveses.

    Era a segunda filha do barbeiro José Maria Pinto da Cunha (Marco de Canaveses, Várzea da Ovelha e Aliviada, 17 de Fevereiro de 1887 - 21 de Junho de 1938) e de sua mulher, Maria Emília Miranda (Marco de Canaveses, Várzea da Ovelha e Aliviada, 10 de Março de 1886 - Rio de Janeiro, 9 de Novembro de 1971).

    Ganhou o apelido de Carmen no Brasil, graças ao gosto que seu tio Amaro tinha por óperas.

    A emigração da família para o Brasil já estava marcada.

    Entretanto, ao ver-se grávida, a mãe de Carmen preferiu aguardar.

    Pouco depois de seu nascimento, seu pai, José Maria, emigrou para o Brasil,5 onde se instalou no Rio de Janeiro.

    Em 1910, sua mãe, Maria Emília seguiu o marido, acompanhada da filha mais velha, Olinda, e de Carmen, que tinha menos de um ano de idade.

    Carmen nunca voltou ao país onde nascera.

    A câmara municipal de Marco de Canaveses deu seu nome ao museu municipal.


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    No Rio de Janeiro, seu pai abriu um salão de barbeiro na rua da Misericórdia, número 70, em sociedade com um conterrâneo.

    A família estabeleceu-se no sobrado acima do salão.

    Mais tarde mudaram-se para a rua Joaquim Silva, número 53, na Lapa.

    No Brasil, nasceram os outros quatro filhos do casal: Amaro (1911), Cecília (1913-2011), Aurora (1915 - 2005) e Oscar (1916).

    ‘Carmen estudou na escola de freiras Santa Teresa, na rua da Lapa, número 24.

    Teve o seu primeiro emprego aos 14 anos numa loja de gravatas, e depois numa chapelaria.

    Contam que foi despedida por passar o tempo cantando, mas o seu biógrafo Ruy Castro diz que ela cantava por influência de sua irmã mais velha, Olinda, e que assim atraía clientes


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    Nesta época, a sua família deixou a Lapa e passou a residir num sobrado na Travessa do Comércio, número 13.

    Em 1925, Olinda, acometida de tuberculose, voltou a Portugal para tratamento, onde permaneceu até sua morte em 1931.

    Para complementar a renda familiar, sua mãe passou a administrar uma pensão doméstica que servia refeições para empregados de comércio.

    Em 1926, Carmen, que tentava ser artista, apareceu incógnita em uma fotografia na sessão de cinema do jornalista Pedro Lima da revista Selecta.

    Em 1929, foi apresentada ao compositor Josué de Barros, que encantado com seu talento passou a promovê-la em editoras e teatros.

    No mesmo ano, gravou na editora alemã Brunswick, os primeiros discos com o samba Não Vá Sim'bora e o choro Se O Samba é Moda.

    Pela gravadora Victor, gravou Triste Jandaya (grafia original) e Dona Balbina ou "Buenas Tardes muchachos".


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    O início da carreira artística e consagração


    Em 1928, o deputado baiano Aníbal Duarte, que almoçava na pensão dirigida por Maria Emília Miranda, apresentou Carmen a Josué de Barros. Josué trabalhava na Rádio Sociedade Professor Roquete Pinto e levou Carmen para atuar na emissora.

    Ele queria ouvir sua voz em disco, então a apresentou ao diretor da Brunswick e em 1929, ela gravou sua primeira música - o samba "Não vá simbora", com autoria de Josué.

    Carmen foi então apresentada ao diretor da gravadora RCA Victor, onde ela iniciou sua carreira gravando "Dona Balbina" e "Triste Jandaia".

    Meses depois foram lançadas as musicas "Barucuntum" e "Iaiá Ioiô".

    O famoso compositor e médico Joubert de Carvalho escutou em disco Carmen cantar a música Triste Jandaia enquanto passava pela Rua Gonçalves Dias, ponto de encontro de músicos e compositores, e insistiu que alguém o apresentasse à cantora.

    Feitas as apresentações, Joubert revelou que queria escrever algo especial para ela.

    Ele compôs a música Taí com a marcha-canção Pra Você Gostar de Mim.

    A música foi um sucesso e o disco vendeu 35 mil cópias no ano de lançamento, recorde para a época, Carmen era então aclamada pela crítica como a maior cantora do Brasil.


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    Em 1933 ajudou a lançar a irmã Aurora na carreira artística.

    No mesmo ano, assinou um contrato de dois anos com a rádio Mayrink Veiga para ganhar dois contos de réis por mês.

    Foi a primeira cantora de rádio a merecer contrato, quando a praxe era o cachê por participação.

    Logo recebeu o apelido de "Cantora do It".

    Apesar de Carmen não ser especificamente uma sambista – apesar de lhe terem atribuído esse título – chegou a gravar mais de vinte canções entre Tangos (um de seus gêneros favoritos), Foxtrote, Marchas de carnaval e Lundu; dos mais populares autores brasileiros, como Ary Barroso, Pixinguinha, Noel Rosa, Cartola e Assis Valente.

    A carreira seguiria de vento em popa, Carmen excursionou por todos os estados do Brasil e logo começou a fazer sucesso nos países da América Latina.

    Em 30 de outubro de 1933, realizou sua primeira turnê internacional, apresentando-se em Buenos Aires.


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    Voltou à Argentina no ano seguinte para uma temporada de um mês na Rádio Belgrano. Também passou a estrelar vários filmes na época, ao todo ela fez sete filmes no Brasil – a maioria, perdidos.

    Ela passou a ser chamada de "A Pequena Notável" - por causa da estatura baixa.

    Em dezembro de 1936, Carmen deixou a Mayrink Veiga e assinou com a Tupi, ganhando semanalmente 1 conto de réis.

    Carmen une-se posteriormente ao Bando da Lua, e com eles começa a fazer turnês pelo Brasil, apresentando-se.

    As pessoas ficam surpresas ao verificar que a dona da bela voz é também tão bela quanto ela e acompanhada pelo conjunto Diabos do Céu, de Pixinguinha grava canções como "Anoiteceu" e "Tempo perdido".

    Dois anos depois de ingressar na Odeon, ela já era o mais popular e bem pago nome da música brasileira.

    Foi então que assumiu a condição de estrela principal do Cassino da Urca.


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    Carreira cinematográfica no Brasil


    No início, sua carreira foi marcada por uma tímida atuação solo e algumas interpretações em duo, com astros do porte de Chico Alves, Mário Reis e Sylvio Caldas.

    Mais tarde veio o cinema, que em 1933 leva a sua imagem e seu jeitinho esperto de olhar para todo o país com "Luz do Carnaval", o primeiro de uma série de 19 filmes que marcaram sua trajetória.

    Em 1926 apareceu como figurante no filme A Esposa do Solteiro, e quatro anos depois assinou contrato para Degraos da Vida, que não chegou a ser rodado.

    Em 1932 faz parte do elenco de artistas de um semidocumentário: "Carnaval Cantado de 1932 no Rio"

    Em 1933, canta as marchas "Good-Bye Boy" e "Moleque Indigesto", documentário nos moldes de Carnaval Cantado.

    Em 1934 canta duas músicas no filme "Alô, Alô, Brasil", tendo a ela sido concedida a última apresentação do filme, geralmente dada ao artista principal.


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    Em 1935, recebe o apelido de "A Pequena Notável", dado pelo célebre cantor-apresentador César Ladeira, com quem trabalhou na Rádio Mayrink Veiga.

    Com o sucesso do filme, é convidada para participar, em 1935 do filme "Estudantes", pela primeira vez como protagonista.

    O êxito do filme levou a Cinédia a chamá-la para um novo filme: "Bonequinha de Seda".

    Esta, por algum motivo não elucidado - provavelmente viagem à Argentina - não aceitou o papel, que foi dado a Gilda de Abreu.

    Em 20 de janeiro de 1936, estreou o filme Alô, Alô Carnaval com a famosa cena em que ela e Aurora Miranda cantam "Cantoras do Rádio".


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    Neste mesmo celulóide, canta uma música sozinha no palco.

    No mesmo ano, as duas irmãs passaram a integrar o elenco do Cassino da Urca de propriedade de Joaquim Rolla.

    A partir de então as duas irmãs se dividiram entre o palco do cassino e excursões frequentes pelo Brasil e Argentina.

    Quase todos os musicais tiveram como tema o Brasil e o carnaval, mas foi o último filme, Banana da Terra, de 1939, que instaurou o estilo que consagrou Carmen Miranda no mundo todo.

    Ela apareceu interpretando O que é que a Baiana Tem?

    De Dorival Caymmi, usando as famosas roupas de baiana, turbantes, as altíssimas sandálias de plataforma e os inúmeros colares e pulseiras.

    Depois de uma apresentação para o astro de Hollywood Tyrone Power em 1938, aventou-se a possibilidade de uma carreira nos Estados Unidos. Carmen recebia o fabuloso salário de 30 contos de réis mensais no Cassino da Urca e não se interessou pela ideia.


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    Em 1939, o empresário estadunidense Lee Shubert e a atriz Sonja Henie assistiram ao espetáculo de Carmen no Cassino da Urca.

    Depois de um espetáculo no transatlântico Normandie, Carmen assinou contrato com o empresário.

    A execução do contrato não foi imediata, pois a cantora fazia questão de levar o grupo musical Bando da Lua para a acompanhar, mas o empresário estava apenas interessado em Carmen.

    O impasse foi resolvido graças à intervenção de Alzira Vargas, que garantiu o embarque dos integrantes do Bando da Lua.

    Carmen partiu no navio SS Uruguay em 4 de maio de 1939, às vésperas da Segunda Guerra Mundial.


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    A carreira nos Estados Unidos


    Protagonista de uma carreira meteórica, Carmen conseguiu uma projeção internacional como nenhuma outra artista do país, primeiro na Argentina e outros países da América Latina e depois nos Estados Unidos, Europa e em todo o mundo.

    Nos Estados Unidos, a carreira de Carmen Miranda e sua imagem ganharam novas conotações.

    Carmen foi inicialmente contratada para trabalhar na Broadway fazendo performances musicais em grandes teatros e casas de entretenimento, já em 1940 começa a atuar também na indústria cinematográfica.

    Sempre acompanhada nos palcos e nos filmes do Bando da Lua. Com os filmes hollywoodianos Carmen sedimentou sua popularidade no país e se tornou uma estrela internacional.

    Em 29 de maio de 1939, estreou no espetáculo musical Streets of Paris, em Boston e em seguida na Broadway, com êxito estrondoso de público e crítica.

    As suas participações teatrais tornaram-se cada vez mais famosas.


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    Em 5 de março de 1940, fez uma apresentação perante o presidente Franklin D. Roosevelt durante um banquete na Casa Branca.

    Neste mesmo ano ela fez sua primeira aparição no cinema norte-americano; foi em Serenata Tropical (Down Argentine Way), da 20th Century-Fox, em que Carmen apenas canta.

    O filme estreou em outubro e bateu recordes de bilheteria.

    Em pouco tempo fez participações em programas de grande audiência, cantando músicas como Mamãe Eu Quero, Tico-tico no Fubá, O que é que a Baiana Tem? e South American Way, tornando-se um fenômeno também nos EUA.

    Em 1945 tinha o maior salário de Hollywood, acima de nomes como Cary Grant e Humphrey Bogart.

    O figurino extravagante e peculiar, inspirado nas roupas das tradicionais baianas, ganhou o apelido de Miranda Look em Hollywood, na década de 40, seus turbantes e balangandãs foram copiados e expostos em vitrines de lojas, como cantora vendeu mais de 10 milhões de discos no mundo todo, ficou conhecida como a "The Brazilian Bombshell" (A Explosão Brasileira)nota 3 alusão ao frenesi que causava em suas apresentações.


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    A exótica baiana agradou aos norte-americanos, mas despertou polêmica entre os brasileiros, com suas vestes estilizada e o arranjo de frutas tropicais que carregava sobre a cabeça – marcas definitivas de sua imagem – Carmen Miranda, acabou por expor ao mundo uma visão caricata e estereotipada do Brasil.

    No auge da “política da boa vizinhança” entre os Estados Unidos e a América do Sul, sua imagem latina era explorada pelos estúdios à exaustão. Tal exposição internacional fez despertar na intelectualidade brasileira um certo sentimento de desprezo por sua figura.

    Em uma apresentação no Cassino da Urca com a presença de políticos importantes do Estado Novo, foi apupada pelos que a consideravam "americanizada".

    Entre os seus críticos havia muitos que eram simpatizantes de correntes políticas contrárias aos Estados Unidos.

    Dois meses depois, Carmen voltaria ao mesmo palco e seria fartamente aplaudida por uma platéia mais afeita ao seu repertório, então já atualizado com respostas como "Disseram que Voltei Americanizada", especialmente composta por Vicente Paiva e Luiz Peixoto, no mesmo mês gravou seus últimos discos no Brasil.

    Eles não podiam perceber que ela, a seu modo, resistia à americanização já anunciada em 1940, talvez o antiamericanismo de Carmen não estivesse em nenhuma grande manifestação pública de nacionalismo. Talvez a resistência sutil fosse a forma encontrada para suportar a máquina americana do show business.


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    Fabricada pelos filmes da 20th Century Fox sua imagem acabou criando um inconveniente para si própria: ela percebeu que estaria aprisionada a imagem da “Garota Latina” para sempre.

    Como contratada da Fox, Carmen era uma mina de ouro para a companhia, ela era obrigada a forçar um sotaque latino caricato, mesmo falando inglês perfeitamente.

    Nos filmes, grandes musicais luxuosos em Tecnicolor – tão estonteantes quanto o seu figurino – Carmen tanto podia interpretar uma brasileira, quanto uma mexicana, cubana, porto-riquenha ou até uma cigana.

    Mas ela era sempre a garota latina.

    Entre os atores com quem contracenou, estão nomes importantes da antiga Hollywood, como Alice Faye, Betty Grable, Jane Powell, Vivian Blaine, Don Ameche, Dean Martin, John Payne e Cesar Romero.

    Seus filmes mais importantes foram Uma Noite no Rio (1941), Aconteceu em Havana (1941), Minha Secretária Brasileira (1942), Entre a Loura e a Morena (1943), Alegria Rapazes (1944) e em 1947, com Groucho Marx, Copacabana.


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    De 1940 à 1953 atuou em 14 filmes em Hollywood e nos mais importantes programas de rádio, televisão, casas noturnas, cassinos e teatros norte-americanos.

    A Política de Boa Vizinhança, implementada pelos Estados Unidos para buscar aliados na Segunda Guerra Mundial, incentivou a imigração de artistas latino-americanos.

    Apesar de Carmen ter obtido o sucesso nos EUA muito antes da implantação desta política (o personagem Zé Carioca de Walt Disney esta muito mais associado a isto), ela acabou se tornando o modelo mais bem sucedido do projeto.

    No fim dos anos 40 ela excursionou por toda a Europa, fez longa temporada no Teatro London Palladium em Londres, batendo recordes de público, e até chegou a receber simbolicamente as chaves da cidade de Estocolmo, capital da Suécia.


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    Ela se consagrou em 1941, ao ser a primeira e única luso-brasileira até hoje, a gravar as mãos e plataformas no cimento da calçada da fama do Teatro Chinês em Los Angeles.

    Em 8 de fevereiro de 1960 ganhou uma estrela póstuma na Calçada da Fama da Hollywood Boulevard.

    Carmen era a principal atração do Copacabana Night Club, famosa boate nova-iorquina, fundada em 1940 e que existe até hoje em Manhattan. O cartaz do "The Copa" é desde aquela época uma gravura estilizada de Carmen, em homenagem a cantora.

    Carmen Miranda tornou-se um "hit" nos EUA.

    Ela apareceu em desenhos animados Tom & Jerry, Popeye e Looney Tunes.

    Foi imitada e caricaturada por Lucille Ball, Bob Hope, Jerry Lewis, Mickey Rooney e Dean Martin.

    A imagem de Carmen era muito forte, cômica, engraçada, caricata.

    Acabou-se criando um verdadeiro estereótipo, o que nem sempre é positivo.

    Mesmo assim, ela foi sem dúvidas foi a artista latina mais bem sucedida nos EUA em Hollywood, e lá sua imagem ainda hoje é mais forte do que no Brasil.


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    Vida amorosa e casamento


    Em 1946, Carmen era a artista mais bem paga de Hollywood e a mulher que mais pagava imposto de renda nos EUA.

    Em 17 de março de 1947 casou-se com o americano David Alfred Sebastian, nascido em Detroit a 23 de novembro de 1908.

    Antes, Carmen namorou vários astros de Hollywood e também o músico brasileiro Aloysio de Oliveira, integrante do Bando da Lua.

    Antes de partir para os Estados Unidos e antes de conhecer o marido, Carmen namorou o jovem Mário Cunha e o bon vivant Carlos da Rocha Faria, filho de uma tradicional família do Rio de Janeiro. Já nos EUA, Carmen manteve caso com os atores John Wayne e Dana Andrews.


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    Em 1945, Carmen teve um breve relacionamento com o piloto da FAB Carlos Niemeyer, os dois se conheceram por acaso em Los Angeles, Niemeyer tinha ido aos Estados Unidos com um grupo de oito soldados levar aviões da FAB para concertos, o romance durou cerca de um mês, até Carlos voltar ao Brasil.

    O casamento é apontado por todos os biógrafos e estudiosos de Carmen Miranda como o começo de sua decadência moral e física.

    Seu marido, David, antes um simples empregado de produtora de cinema, tornou-se "empresário" de Carmen Miranda e conduzia mal seus negócios e contratos.

    Também era alcoólatra e pode ter estimulado Carmen Miranda a consumir bebidas alcoólicas, das quais ela logo se tornaria dependente.

    O casamento entrou em crise já nos primeiros meses, por conta de ciúmes excessivos, brigas violentas e traições de David, mas Carmen Miranda não aceitava o desquite pois era uma católica convicta.

    Engravidou em 1948, mas sofreu um aborto espontâneo depois de uma apresentação e não conseguiu mais engravidar, o que agravou suas crises depressivas e o abuso com bebidas e remédios sedativos.


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    Dependência de barbitúricos


    Desde o início de sua carreira americana, Carmen fez uso de barbitúricos para poder dar conta de uma agenda extenuante.

    Adquiria as drogas com receitas médicas pois, na época, elas eram receitadas pelos médicos sem muitas preocupações com efeitos colaterais.

    Nos Estados Unidos, tornou-se dependente de vários outros remédios, tanto estimulantes quanto calmantes.

    Por conta do uso cada vez mais frequente, Carmen desenvolveu uma série de sintomas característicos do uso de drogas, mas não percebia os efeitos devastadores, que foram erroneamente diagnosticados como estafa (cansaço) por médicos americanos.

    Em 3 de dezembro de 1954, Carmen retornou ao Brasil após uma ausência de 14 anos viajando e fazendo shows pelo mundo, além de estar morando nos EUA.

    Ela continuava casada e sofrendo com o marido, cada vez mais alcoólatra e violento.

    Seu médico brasileiro constatou a dependência química e tentou desintoxicá-la.

    Ficou quatro meses internada em tratamento numa suíte do hotel Copacabana Palace.

    Carmen melhorou, embora não tenha abandonado completamente remédios.

    Os exames realizados no Brasil não constataram alterações de frequência cardíaca.


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    A morte nos Estados Unidos


    Ligeiramente recuperada, retornou para os Estados Unidos em 4 de abril de 1955.

    Imediatamente começou com as apresentações.

    Fez uma turnê por Cuba e Las Vegas entre os meses de maio e agosto e voltou a usar barbitúricos, além de fumar e beber mais do que antes.

    No início de agosto de 1955, Carmen gravou uma participação especial no programa televisivo do comediante Jimmy Durante.

    Durante um número de dança, sofreu um ligeiro desmaio, desequilibrou-se e foi amparada por Durante.

    Recuperou-se e terminou o número.

    Na mesma noite, recebeu amigos em sua residência em Beverly Hills, à Bedford Drive, 616.

    Por volta das duas da manhã, após beber e cantar algumas canções para os amigos presentes, Carmen subiu para seu quarto para dormir.

    Acendeu um cigarro, vestiu um robe, retirou a maquiagem e caminhou em direção à cama com um pequeno espelho à mão.

    Um colapso cardíaco fulminante a derrubou morta sobre o chão no dia 5 de agosto.

    Seu corpo foi encontrado pela mãe no dia seguinte, às 10h30 da manhã.

    Tinha 46 anos.


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    Funeral


    Aurora Miranda, sua irmã, recebeu na mesma madrugada um telefonema do marido de Carmen Miranda avisando sobre o falecimento.

    Aurora Miranda se desesperou por completo e passou então a notícia para as emissoras de rádio e jornais.

    Heron Domingues, da Rádio Nacional do Rio de Janeiro, foi o primeiro a noticiar a morte de Carmen Miranda em edição extraordinária do Repórter Esso.

    Em 12 de agosto de 1955, seu corpo embalsamado desembarcou de um avião no Rio de Janeiro.

    Uma imensa multidão se concentrou nas ruas por onde passou o cortejo, o corpo foi conduzido por uma carreta do Corpo de Bombeiros, envolto numa bandeira brasileira.

    Antes da saída do cortejo, o presidente da Câmara Municipal do Rio de Janeiro, vereador Salomão Filho, falou dando o ultimo adeus, em nome da cidade, à artista.

    Sessenta mil pessoas compareceram ao seu velório realizado no saguão da Câmara Municipal da então capital federal.

    O cortejo fúnebre até o Cemitério São João Batista foi acompanhado por cerca de meio milhão de pessoas que cantavam esporadicamente, em surdina, "Taí", um de seus maiores sucessos.

    No ano seguinte, o prefeito do Rio de Janeiro Francisco Negrão de Lima assinou um decreto criando o Museu Carmen Miranda, o qual somente foi inaugurado em 1976 no Aterro do Flamengo.

    Hoje, uma herma em sua homenagem se localiza no Largo da Carioca, Rio de Janeiro.


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    Homenagens


    As imagens de Carmen Miranda voltam à cena durante o movimento tropicalista.

    Ícone da cultura popular e do exagero estético, sua figura era evocada menos por sua importância musical na cena brasileira e mais pela sua vinculação a uma imagem estereotipada e “tropical” do Brasil.

    A cantora viria a ser assumida como um dos ícones tropicalistas, estando presente tanto nas letras de canções (como “Tropicália”, de Caetano Veloso), quanto nas imitações dos trejeitos da artista – o torcer das mãos e o revirar dos olhos – com que Caetano Veloso por mais de uma vez brindou/provocou a platéia.

    Em 1972, recebeu uma homenagem da Escola de Samba Império Serrano, com o tema "Alô, alô, Taí Carmen Miranda".

    Em 2008, homenageando Carmen Miranda, o Império Serrano se tornou campeão do Grupo de Acesso A e voltou em 2009 a desfilar no Grupo Especial.

    Em 18 de Julho de 1995 foi agraciada a título póstumo com o grau de Grande-Oficial da Ordem do Infante D. Henrique.

    Foi nomeada pelo American Film Institute, uma das 500 "grandes lendas do cinema".


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    Em 1995, ela foi tema do aclamado documentário Carmen Miranda:Bananas is my Business, dirigido por Helena Solberg.

    Em 25 de setembro de 1998, uma praça no distrito de Hollywood ganhou o nome de Carmen Miranda Square, em uma cerimônia liderada pelo antigo prefeito honorário de Hollywood, Johnny Grant, que também era um dos amigos pessoais da artista.

    A Praça Carmen Miranda é um dos doze cruzamentos em Los Angeles que foram nomeados em homenagem a artistas históricos, a praça está localizada no cruzamento da Hollywood Boulevard e Orange Drive em frente ao Teatro Chinês. A localização é especialmente notável.

    Em 2005, o escritor Ruy Castro lançou pela editora Companhia das Letras uma biografia de 600 páginas sobre a cantora, intitulado de Carmen, Uma Biografia.

    Castro passou cinco anos pesquisando sobre a vida e carreira de Carmen Miranda, utilizando inclusive dezenas de entrevistas com pesquisas em jornais e arquivos pessoais.

    O livro é considerado a mais completa obra sobre a artista lançado até hoje.


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    Uma escultura em tamanho natural seguindo as características da cantora foi criada pelo artista plástico Ulysses Rabelo, que estudou a máscara mortuária e a arcada dentária de Carmen para garantir a fidelidade da peça. A escultura faz parte do acervo do Museu Carmen Miranda.

    Carmen Miranda foi uma das homenageadas em uma série de selos vendidos nos Estados Unidos no ano de 2011, além da cantora, outros quatro "gigantes da música latina" aparecem nas imagens: Tito Puente, Celia Cruz, Selena e Carlos Gardel.

    Em 2009, no ano de seu centenário de nascimento, a artista foi homenageada pela Academia Brasileira de Letras, e declarada a mesma "Patrimônio da Cultura Brasileira".


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    Foi a grande homenageada na edição de 2009 da São Paulo Fashion Week, o maior evento de moda do Brasil, e o mais importante da America Latina, Carmen foi escolhida pela organização do evento por representar a alegria e o brasileirismo colocados como temática dos desfiles daquela edição.

    Uma estatua sua será feita pela escultora paulistana Christina Motta, a obra ficará na praça ao lado do Museu da República, no bairro do Catete, no Rio.

    Em 2009, a gravação de "O que é que a baiana tem?", de Dorival Caymmi, na voz de Carmen Miranda, em 1939, foi selecionada para preservação num arquivo sonoro especial da Biblioteca do Congresso dos EUA.

    Foi eleita a 15º maior voz e à 35º maior artista da música brasileira pela revista Rolling Stone.


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    Filmografia


    A carreira cinematográfica de Carmen Miranda, que se iniciara no Brasil com cinco filmes, teve prosseguimento na Meca do cinema, primeiro na 20th Century Fox, depois na United Artists, na MGM e, por fim na Paramount.

    Todos os títulos em Português dos filmes estrangeiros referem-se a exibições no Brasil.54


    1926 A Esposa do Solteiro (Como Extra)

    1930 Degraos da Vida (Rodada apenas uma cena)

    1932 O Carnaval Cantado de 1932

    1933 A Voz do Carnaval

    1935 Alô, Alô, Brasil

    1935 Estudantes

    1936 Alô, Alô, Carnaval

    1939 Banana-da-Terra

    1940 Laranja-da-China

    1940 Serenata Tropical

    1941 Uma Noite no Rio (That Night in Rio)

    1941 Aconteceu em Havana (Week-end in Havana)

    1942 Minha Secretária Brasileira (Springtime in the Rockies)

    1943 Entre a Loura e a Morena (The Gang's All Here ou The Girls He Lef Behind)

    1944 Quatro Moças num Jipe (Four Jills in a Jeep)

    1944 Serenata Boêmia (Greenwich Village)

    1944 Alegria, Rapazes (Something for the Boys)

    1945 Sonhos de Estrela (Doll Face)

    1946 Se Eu Fosse Feliz (If I'm Lucky)

    1947 Copacabana (Copacabana)

    1948 O Príncipe Encantado (A Date with Judy)

    1950 Romance Carioca (Nancy Goes to Rio)

    1953 Morrendo de Medo (Scared Stiff)

    1995 Carmen Miranda: Banana is My Business (Documentário)


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    Fontes:-

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    São Paulo, SP, 28 Fereveiro de 2017

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    Curiosidades:

    A saga da parte marinha 1: "veleiros com dois mastros"

    Quinta - feira, marco 20, 2014


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    Um dia, o homem percebeu que o vento era um presente dos deuses. Imaginou divindades que comandaram os ventos.

    E então subjugado vento e definir um fibras vegetais tecelagem em seus troncos de árvores jangada para movê-lo para a frente.

    Ele tinha inventado a vela.

    A vela é definitivamente uma das descobertas mais importantes da humanidade.

    Eu também acho que o fundamental como fogo e da roda.

    Desde aquele primeiro skiff, os homens mostraram sua criatividade, desenvolvendo o desempenho de seus propulsores de vela de classe para os navios que arvoram manobra e, especialmente, sobre a água quase duas vezes a velocidade do vento, como temos viu a Copa América.

    O primeiro tinha todas as velas para o progresso com o vento na direção do vento.

    As manobras e contra o vento foram segurados por remos ou pólos.

    Para isso um único mastro, manipuladas uma vela retangular, localizado na área menos movimentada do barco, foi a tecnologia ideal.

    Quando os marinheiros tentaram se livrar de propulsão dado pela força dos escravos da galera, eles rapidamente necessário para aumentar o número ea forma das velas.

    Em várias mastros, velas várias formas, cada uma posicionada para atender às necessidades de um olhar específico.

    Demorou um conhecimento perfeito de força vela e especialmente entender a vela puxa o barco mais do que empurra para ver os iates retornar a um aparelhamento simplificada normalmente com apenas um pólo e três desenhos de velas para o máximo um barco: a traquete, uma vela grande e uma vela empurrador (spinnaker, gennaker).

    Esta compreensão é muito recente (aviação concomitante), os iates de manobra têm, por muitos séculos, foram vários barcos de mastro.

    Sendo o mais comum o navio com dois mastros.

    Dois mastros, em primeiro lugar para a facilidade de equilibrar um barco.

    O primeiro post (ou farol), muitas vezes o maior, era o verdadeiro propulsor.

    O segundo foi implantado de acordo com a guarnição do barco e a vela que era para quebrar o campo.

    Bernard Moitessier o lindamente explica em seu primeiro livro "Vagabond dos Mares do Sul."

    Ele pode imagem do fenômeno ter a Ketch ancestral como um tipo de embarcação "FWD" e, inversamente, a Schooner, como um navio a "roda traseira".

    Neste capítulo, vamos nos concentrar no grande barco viagem com dois mastros que marcaram a conquista dos mares.

    Vamos ao lado dos barcos polinésia usado veleiros reunidos esta definição antes de todos os outros e sua dedicar um capítulo inteiro.

    Em nossa civilização, tudo realmente começou com o "Caravelle".


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    - No século XV, o Português eram certamente os europeus mais voltada para a conquista de novas terras e por isso não é por acaso que este barco extraordinária foi lançada nos sites país.

    É a origem das mais belas descobertas. Vasco da Gama como Christophe Colomb, Cristóvão de Mendonça ou Bartolomeu Dias são os principais exploradores cujos nomes estão intimamente ligados a este barco.


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    Por manobrabilidade revolucionária do plano de vela e altura de sua contundente em confrontar o alto mar, ele manteve o calado de seus antepassados montanhas-russas como o "Carrack"

    Este é um navio de um pouco menos de trinta metros.

    Ele carrega dois mastros, um "mastro" na frente e um "mezena" por trás (ele também foi equipada com três mastros e longarinas até cinco).

    Eles estão cada um com um quintal grande pode girar em torno do mastro e receber uma vela latina.

    Esta é a principal característica do Caravelle, o equipamento permite finalmente verdadeira barlavento fornecendo um possível retorno à Mariners que costumava velejar no vento.

    Finalmente, um étampot leme (açafrão central) de grandes dimensões, na qualidade de um plano anti-chuvisco concluída, o arsenal manobrar a embarcação.

    O novo leme, disse que "drawbar Navarra", que foi a primeira aparição, foi uma verdadeira revolução

    Elevando-se superestruturas, tanto em prou na popa, assegurou um espaço de armazenamento e vivendo bem acima dos navios da época.

    A lenda histórica, para alguns tornam-se uma hipótese científica, propõe que "Henri le Navigateur" o terceiro filho do rei de Portugal, João 1, com um golpe de brilhante design, criado um barco para conquistar o mundo.

    Foi o Caravelle.

    É verdade que dom Henrique, reino infantil de Portugal, foi um dos primeiros navegadores para enfrentar o alto mar com o navio.

    O príncipe também foi o fundador da famosa escola de navegação oceano de Sagres, que foi a primeira instituição dedicada à arquitetura naval.

    O específica Caravelle aparelhamento tinha uma grande falha a favor do vento e o risco de soçobrar era onipresente.

    Em um alcance amplo, os estaleiros estavam em posição perpendicular ao eixo do barco e perpendicular ao mastro.

    Este posicionamento da vela latina (triangular) foi que, em uma borda da parte larga do triângulo oferecido um impulso quatro vezes do outro lado que recebeu apenas a ponta do véu. Um sobrevendido e foi um desastre.

    Assim Christophe Colomb que temiam o fenômeno por seus marinheiros caravelas com Alyzée, fez uma longa parada em "Gran Canaria" para fazer velas quadradas para içar o quintal (horizontal) para enfrentar a favor do vento, sem sofrer esse desequilíbrio.

    E assim é que, muitas vezes, ilustrações ou representação gráfica da Santa Maria (certamente um velho caraque ligeiramente modificada, de propriedade de Juan de la Cosa), a Pinta e Nina (Santa Clara são o nome real) aparecem com velas quadradas.


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    A fim das caravelas

    Os últimos embarques transoceânicos cometidas ao Caravelle são em torno do século XVII.

    A adição de vários mastros (até 5 pólos) para o transporte de mercadorias, tornadas necessárias pela evolução do comércio com as colônias, não foram suficientes para salvar o conceito.

    Grandes estaleiros que equipam cada mastro do barco deve ser mudado de lado ( "a Murder") para a aderência.

    Estas manobras são pesados e delicado em barcos cada vez mais pesado, especialmente quando as velas estão se multiplicando.

    A marinha francesa adotou e desenvolveu (alguns dizem que o inventou) o equipamento dianteiro-e-à popa, mas também eficiente muito mais fácil de manobrar.

    A vela Latina e do Caravelle teve seu tempo.

    A última caravela Português, podemos garantir que não é a caravela de Goa registrado em 1669 como um navio real.


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    La Caravelle tem realmente não desapareceu completamente, ela ainda vive sob o nome do Mediterrâneo oriental e Caicos como o Dhow no Golfo Pérsico e no Oceano Índico.

    Ambos os navios têm em suas versões maiores, as exatas caravelas Gabarie do século XV, cerca de 30 metros para 200 toneladas.

    Parece como dhows já navegou quando o Português desembarcou suas caravelas sauditas e, portanto, poderia ser considerado como for, não descendentes, mas os antepassados.

    A diferença notável entre a asa do Dhow comumente conhecido como "Sail árabe" e "Latina" ala do Caravelle, é que a ponta dianteira do triângulo é a tela, é truncado, efetivamente transformando a vela triangular em uma vela trapezoidal.


    PG
    (Do livro forthcoming "A Epopéia de veleiros")
    Para baixar:
    escoberta e conquista da América Latina: Visões do Outro, do Outro e na Europa através dos conquistadores espanhóis 1492-1542 escritos por Elise KRESIAS
    os dhows


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    Caicos


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    Fontes:-

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    São Paulo, SP, 28 Fereveiro de 2018

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    Editor:- Jarbas Borges - Ano 08 - Edição nº 091 - 28 Fevereiro de 2019
    Revista Mensal Mkmouse - Ano de 2018